2026 年巴塞爾藝術展香港展會（Art Basel Hong Kong 2026）再度於香港會議展覽中心（HKCEC）拉開帷幕，我們面對的不再只是亞太地區最大的藝術交易平臺，而是一個已逐漸成熟的全球當代藝術指標。本屆展會匯聚來自全球 41 個國家及地區的 240 間頂級藝廊，其中超過半數在亞太地區設有展覽空間，這些數據除了顯示香港作為全球藝術樞紐的韌性，更表達了亞洲藝術市場正主動提出一種觀察全球當代藝術動態的邏輯，而非僅作為西方脈絡下的在地性補充。
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Art Basel Hong Kong 2025. Courtesy of Art Basel.
當代藝術的亞洲觀點看見什麼樣的未來？
透過當代藝術的「亞洲觀點」，我們看見的是一個在線性藝術史之外，多重層次且強調物質共生的未來。站在亞洲城市的全球化與在地性、科技發展與傳統信仰之間的交界，亞洲當代藝術在高度數位化與虛擬化的語境中，重新召喚了我們對於觸覺、記憶與時間的感知張力，這種藝術實踐在狂熱加速的社會中，透過對物質文化的深度挖掘與時空重新編碼的異質性，建立一種具備抵抗力的文化根基。它所預示的未來，是藝術家如何將微觀的個人敘事與全球經濟、地緣政治交織，轉化為詩學的檔案系統。
Art Basel Hong Kong 2025. Courtesy of Art Basel.
Art Basel HK 2026 的亞洲視野與未來敘事
巴塞爾藝術展香港展會之所以能夠持續引領亞洲藝術生態，在於其深諳策展與學術價值即是市場基準的原則。自 2013 年首展以來，展會始終承諾將亞太地區的藝術實踐推向國際。在 2026 年的執行策略上，我們可以看到其更趨細緻的文化連結佈局。其中，行之有年的「亞洲視野」（Insights）展區始終是支撐這一理念的基石，專門呈現亞太地區藝廊策劃的藝術家個展或專題項目，透過挖掘區內豐富的文化地景與美學脈絡，確立了亞洲作為美學生產中心的主體性。此外，「策展角落」（Kabinett）呈獻的 35 個主題展覽中，有 23 個項目特別聚焦亞太地區的歷史與當代對話，確保了商業展位內核的學術密度。再者，由東京森美術館館長片岡真實（Mami Kataoka）領銜的「藝聚空間」（Encounters），圍繞「五大元素」展開，將展區延伸至香港會議展覽中心以外，試圖將亞洲傳統宇宙觀與尖端的數位藝術及大型裝置融合，為未來收藏提供新的美學座標。
Group photo of the Encounters curators. From left to right: Isabella Tam (Curator of Visual Art, M+, Hong Kong), Mami Kataoka (Director of Mori Art Museum, Tokyo), Alia Swastika (curator, researcher, and writer, Jakarta), and Hirokazu Tokuyama (Senior Curator, Mori Art Museum). Courtesy of Art Basel and Ben Marans.
在區域網絡的制度建置上，全新舉措「文化之友」（Friends of Art Basel Hong Kong），透過與 M+、大館及粵港澳大灣區重要藝術機構的合作，將藝博會打造成亞太區域內的知識分享基地。此外，針對數位藝術而新增的「Zero 10」展區，繼 2025 年 12 月在巴塞爾藝術展邁阿密海灘展會（Art Basel Miami Beach 2025）大獲好評之後，將於 2026 年巴塞爾藝術展香港展會迎來亞洲首展，試圖為數位藝術的展示與購藏定義新的語言。
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15 間亞太畫廊的收藏參考座標
針對專業收藏家，收藏行為已從對「物件」的擁有，轉向對「未來敘事」的投資。為此，編輯部在 2026 年巴塞爾藝術展香港展會精選了 15 間亞太地區最具前瞻性的畫廊。在「商業畫廊」與「替代空間」的界線已逐漸模糊的今天，許多商業畫廊正承擔起過去屬於非營利空間的責任，成為藝術生態的土壤。他們透過對非物質或時基藝術的長期支持，孵化當代藝術的創新。就這方面而言，這份名單的準則在於辨識那些具備深厚策展能力與強烈實驗性的空間，除了銷售作品，他們更在營運中不斷校準我們的感知方式。
Art Basel Hong Kong 2024. Courtesy of Art Basel.
▋Gajah Gallery｜1B39、EN12
Gajah Gallery 成立於 1996 年，最初於新加坡 Monk’s Hill 創立，後拓展至丹戎巴葛（Tanjong Pagar）的工業倉庫空間，並於印尼雅加達設立展覽據點。藝廊致力推廣區域內具代表性的藝術家並扶植新銳創作者，深耕東南亞藝術與歷史的學術研究，以及創立日惹藝術實驗室（Yogya Art Lab）。透過與新加坡美術館（SAM）、新加坡國立大學博物館等機構的重要合作，Gajah Gallery 已是東南亞藝術界的先鋒機構。
Suzann Victor，《City Lantern》，2025，Gajah Gallery，Singapore。圖／Gajah Gallery 提供。
本次將以「流動的線條：東南亞的地圖學（Moving Lines: Cartographies of Southeast Asia）」為題，集結 18 位來自東南亞不同世代的藝術家，包括 Benedicto Cabrera、Rodel Tapaya、Leslie de Chavez、Rudi Mantofani 與 IGAK Murniasih…等，多位藝術家透過不同視覺語言回應國族記憶與文化敘事，呈現在歷史、文化與社會轉變中，東南亞藝術的複雜性與活力。
此外，其代理之新加坡藝術家 Suzann Victor 亦於展會大型裝置單元 Encounters 呈現 3.6 米寬的大型動力裝置《城市燈籠》（City Lantern），該作品將亞洲多處地標交織成一幅流動的地理圖景，包括香港的郵政總局、文華新村、雍仁會館和天壇大佛、馬尼拉的岷倫洛教堂和棚屋、臺灣的龍虎塔、北京的天壇公園以及新加坡的慰安所等，透過菲涅爾透鏡環與動力裝置緩緩轉動，逐步呈現建築背後關於遷移與現代慾望，乘載著戰爭衝突下的不為人知的女性敘事。她同時也是首位代表新加坡參加第 49 屆威尼斯雙年展（2001）的女性藝術家。
Suzann Victor，《City Lantern》（Detail），2025，Gajah Gallery，Singapore。圖／Gajah Gallery 提供。
▋天線空間｜1B24
天線空間（Antenna Space） 是由 Simon Wang 於 2013 年上海創立，致力於與全球藝術家深度協作，探索超越地域邊界的藝術新形態。更將於 2026 年 3 月 21 日正式進駐香港黃竹坑空間，隆重呈獻首個開幕展覽《南天 Horizons（South）》。展覽匯聚 21 位藝術家，以多元的視覺語彙開啟畫廊在亞洲藝術核心地標的新篇，展現空間持續拓展國際視野的企圖。
Evelyn Taocheng Wang, Georgia O‘Keeffe Flower Motif (Black Petunia and White Morning Glory ll, 1926) and Imitation of Agnes Martin, 2026。圖 / 取自天線空間。
與此同時，天線空間亦於本屆香港巴塞爾，展出包含程心怡、崔潔、Guillaume Dénervaud、李爽、傅丹（Owen Fu）等 19 位藝術家的精彩創作。本次展位亮點聚焦於多位風格迥異、極具思辨力的藝術家，如韓國藝術家李美來（Mire Lee）以工業材料與機械軸承剖開身體與城市的代謝系統，製造具有感官衝擊的視覺場景，呈現最原始的肉身体验。上海空間亦同步呈現的李美來最新個展《Openings》。
漢娜．河（Hanna Hur）則透過精確的幾何秩序與重複性的手工勞動方式，建構出如幻覺般的「理性神秘主義」場域，引領觀眾進入冥想場域。王韜程（Evelyn Taocheng Wang）的創作如同一組跨媒介的「星群」，融合書法、繪畫、表演與服裝設計，將中國傳統、殖民歷史、酷兒與女性主義等，這些相互獨立的概念交融鏈接。龔柯維（Covey Gong）則受電影與劇場啟發，致力於解構文化生產背後的政治經濟邏輯，透過作品追問空間重構的社會因由。而藝術家雙人組 Daniel Dewar & Grégory Gicquel 持續實驗傳統工藝與現代工具的邊界，使用特殊材料與不協調的符號結合，思考人類、勞動與生產之間的關係。
龔柯維，《ATW-金字塔-未加工》，2025。圖 / 取自天線空間。
▋刺點畫廊｜1D20
刺點畫廊成立於 2010 年，以亞洲區的新晉藝術家、知名藝術家、及離散藝術家爲主。透過其展覽項目及藝術機構合作，為其代理藝術家搭建國際平台。本次回歸，將呈現藝術家陳維、鄭燕垠、張子軒、莊偉 、林立施、陸浩明、單慧乾、西亞蝶、楊東龍、楊沛鏗、及張文智的作品。其中以林立施在馬賽 Cirva 玻璃與造型藝術國際中心駐留期間，創作的手工吹製玻璃雕塑為亮點，她以玻璃形塑竹的堅韌，並在《木筏，柑橘(II)》中藉由柑橘的遷徙歷史與其家族經營中餐廳的記憶，探討歸屬感的多重意涵。展會期間，畫廊空間將同時呈現林立施於畫廊及亞洲地區的首次個展《重遊竹林閣》。
林立施，《竹筏，柑橘（II）》，2026。圖 / 由藝術家及刺點畫廊提供。
向來以植物與水族生態為創作靈感及媒介的楊沛鏗，本次將帶來最新雕塑作品《擁抱派對（松上蠟）》；其個展《楊沛鏗：優雅地吞回自己的反芻》亦於畫廊展出中。楊東龍在《黃泥涌道》等新作中，利用正負片色彩反轉的實驗手法，重新詮釋香港上世紀 80 年代的日常街景與外來植物，思考繪畫語言與真實觀看之間的哲學。張文智的水墨作品結合中國歷史、民間傳說、神話故事、檔案文獻等，呈現關於歷史、自然與社會的複雜圖景。單慧乾的錄像作品《肖像》系列則透過變裝表演，致敬藝術史上的經典名作，藉此挑戰二元對立的身份觀念。
此外，莊偉以繪畫呈現媒體報導中抗議者跌倒的身影，反思身體遭遇體制暴力時的脆弱。張子軒則以《muted light》捕捉昔日新界村屋的斑駁光影。陸浩明透過結合凝固汽油彈殘渣與樹脂的裝置《Delegate》，以自身等高比例的尺寸，探討文明暴力與環境廢墟的議題。展位同時呈現陳維、鄭燕垠與西亞蝶的新作；並於「光映現場」展區，展出單慧乾與劉艾真的錄像作品，展現刺點畫廊深厚的藝術敘事力。
楊東龍，《鳯凰木 原生地：馬達加斯加》（細節），2024。圖 / 由藝術家及刺點畫廊提供。
▋ROH｜1D38
雅加達畫廊 ROH 將於 2026 香港巴塞爾藝術展呈現強大的策展動能，其參與範疇不僅橫跨展會內多個指標展區，更延伸至全港藝文機構的聯動協作。ROH 自 2014 年成立以來，便以靈活的「游牧」姿態在各種非傳統場域探索藝術可能性，直至 2022 年遷入雅加達蘇拉巴亞街一棟殖民時期的別墅，建立起具高度包容性的當代藝術基地。
ROH 畫廊空間，《New Paintings》，2026，展覽現場。圖／取自 ROH。Courtesy of ROH.
在本屆藝博會，畫廊除於「藝廊薈萃」（Galleries）展位登場外，更深度參與多項計畫：「策展角落」（Kabinett）呈現谷口瑪麗亞（Maria Taniguchi）探索結構與透明度的巨幅磚畫系列；「光映現場」（Film）由韓國團體 ikkibawiKrrr 呈獻影像作品《Dances with Trash》，探討後人類敘事；藝術家團體「Tromarama」成員則受邀參與「超越科技」（Beyond Technology）專題論壇。
藝博會之外，ROH 透過跨機構協作，參與黃竹坑全新畫廊 GOLD 的首展 《CERTAINLY》，展現亞太當代藝術的連結與對話。該展覽啟發自作曲家拉蒙特．揚（La Monte Young）的《1960 年第 10 號作品》，ROH 合作藝術家谷口瑪麗亞與柬埔寨藝術家提絲．卡尼塔（Tith Kanitha） 的作品皆在此亮相。谷口以極致勞動堆疊的黑色「磚畫」體現時間控制，而卡尼塔則透過精細的電線編織裝置，在物質的控制與偏差間建立張力。這種多維度的參與模式，更展現了畫廊作為知識生產者與資源整合者的能力。
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Maria Taniguchi, Untitled, 2023, acrylic on canvas, 228.5 × 114.5 cm. Courtesy of the artist and ROH.
▋爍樂畫廊 gdm｜1D33、EN7
爍樂畫廊（Galerie du Monde, gdm）自 1974 年由 Fred Scholle 於香港創辦以來，始終站在藝術推廣的最前線。早期以推動戰後華人藝術享譽國際；2008 年起，畫廊轉型以當代藝術為重心，深耕亞裔離散藝術家及中生代藝術實踐。並在 2024 年底於臺北開設新空間，更啟動「上青 Siong Tshinn」項目，展現其根植本地藝術社群、扶植新銳藝術家的長遠目標。
本次展會將呈現 17 位藝術家的精彩創作，名單橫跨跨代與跨地域的視角，包含吳季璁、林東鵬、王公懿、鄭重賓、曾建華等資深力量。最受矚目的亮點，為香港視覺藝術家兼動畫導演江記（江康泉）於大型裝置單元 Encounters 中，所帶來的作品《價／值／饕餮》。
該作品由《價格與價值》和《饕餮》兩件霓虹裝置組成，將上古神獸置於資本主義的天際線之下。江記透過極具爭議的交易規則挑戰市場：在作品成交後，藏家必須在「價格」或「價值」的兩個光管中取其一，另一個則會被當眾砸碎。這場拒絕讓市場定價權凌駕於文化象徵之上的行動，探問了當代藝術在「作品」與「商品」之間的生存困境。
江記，《價／值／饕餮》，2026。圖／爍樂畫廊提供。
同時，將於香港空間舉辦臺灣先鋒女性藝術家、伊通公園共同創辦人陳慧嶠的香港首次個展《在一片天空下》。展覽溯源自其 1997 年的早期創作，一路延伸至 2025 年的全新系列。陳慧嶠擅長以針線、乒乓球、LED 等極簡媒材構建複雜隱喻。她將「針」視為刺穿意識的武器，亦是縫合破碎的工具，藉此反思人類如何將星辰與天空轉化為軍事座標與戰爭武器。
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陳慧嶠，《恆星》， 2025。圖／爍樂畫廊提供。
▋The Drawing Room｜3DE9
馬尼拉畫廊 The Drawing Room 最初以紙上作品為核心，隨後擴展至多元的藝術形式，致力於呈現菲律賓社會中的多重現實。作為國際藝博會的常客，他們透過嚴謹的策展計畫，推動具備跨學科視野的藝術家，在香港、臺北、紐約及巴黎等全球藝術重鎮進行對話，成為東南亞當代藝術邁向國際市場與學術領域的重要推手。
Gerardo Tan, Code Talk 2, 2026, oil and acrylic on canvas, 203 × 152.4 cm. Courtesy of the artist and The Drawing Room.
在 2026 巴塞爾藝術展香港展會的「藝廊薈萃」（Galleries）展區中，The Drawing Room 以《累積與抵抗的敘事：記憶、物質性與社會纖維》（Narratives of Accumulation and Resistance: Memory, Materiality, and Social Fabric）為題，匯聚了傑拉多．坦（Gerardo Tan）、索勒．桑托斯（Soler Santos）、傑德．梅里諾（Ged Merino）與西安．戴里特（Cian Dayrit）四位指標性的當代藝術家。這場展覽回應了亞洲視野中對於「檔案」與「歷史意識」的重新建構，探討物理材料與集體記憶的累積如何轉化為對主流歷史結構的抵抗。例如，坦的新作以大尺幅的繪畫，將抽象幾何轉化為一種視覺編碼，探討文明資訊如何透過物質層層堆疊；桑托斯則透過繪畫與攝影的結合，將日常片段與植物圖像轉化為具備幾何層次的空間；梅里諾以紡織品作為遷徙集體情感的檔案；而戴里特的作品則展現強烈的批判性，透過刺繡與木雕顛覆殖民史觀與機構語言。
這群藝術家在學術地位與機構收藏上皆具備堅實基礎，展現了不可忽視的收藏價值。坦曾於 2022 年代表菲律賓參加第 59 屆威尼斯雙年展，奠定了其在東南亞觀念藝術領域的地位；而戴里特近年來獲得倫敦巴比肯中心（Barbican Center）與阿姆斯特丹市立博物館（Stedelijk Museum）等重要機構的關注，其作品更在 2025 年被都靈利沃里城堡當代藝術博物館（Castello di Rivoli）入藏。這不僅體現了菲律賓當代藝術在全球藝術界日益增長的話語權，更揭示了「物質抵抗」作為一種獨特的亞洲美學路徑。
Cian Dayrit, State of State, 2021, objects and embroidery on fabric, 165 × 79 cm. Courtesy of the artist and The Drawing Room.
▋STPI 創意工作坊及畫廊｜1D04
作為新加坡「視覺藝術集群」（Visual Arts Cluster）的一員，非營利組織「STPI 創意工作坊及畫廊」在東南亞地區乃至全球當代藝術佔據極其特殊的位置。其根源可追溯至 2002 年由新加坡城市規劃之父劉太格（Liu Thai Ker）在羅伯遜碼頭（Robertson Quay）所催生的印刷和造紙中心。2010 年代轉型之後，已成為推動印刷與紙上藝術的尖端實驗室，他們以其獨特的駐村創作模式，邀請國際當代藝術家與專業團隊合作，以協作式生產（collaborative process）挑戰傳統版畫的範疇。同時，他們透過持續參與巴塞爾藝術展等國際藝博會，讓這些作品進入全球重要機構的收藏體系中。值得一提的是，STPI 更在 2019 年發起自己的藝博會平臺「S.E.A. Focus」，積極培育一個更永續的東南亞藝術市場。該平臺自 2026 年起，交由 ART SG 主辦，象徵著新加坡當代藝術更專業化的分工與連結。
藝術家徐道獲 2025 年在 STPI 工作坊進行創作。圖／取自 STPI。Courtesy of STPI.
在 2026 巴塞爾藝術展香港展會的「藝廊薈萃」（Galleries）展區中，STPI 匯聚了多位形塑亞洲當代藝術史的重要人物，包括李昢（Lee Bul）、林真金（Kim Lim）、徐道獲（Do Ho Suh）、林天苗（Lin Tianmiao）與大竹伸朗（Shinro Ohtake）等 。李昢透過紙張媒材延續其對科技烏托邦與權力系統的批判 ；已故新加坡裔英籍藝術家林真金展現了早期亞洲藝術家在國際極簡主義脈絡下的獨特詮釋；徐道獲則利用版畫細膩地勾勒出空間與記憶的心理地圖 ；林天苗將其標誌性的線繞與編織技術融入紙上作品，探討性別勞動力與身體的社會束縛 ；而大竹伸朗則展示了他對日常片段的重新剪裁與拼貼，反映出消費文化下的時間層次。此外，藝術家組合印嘉．斯瓦拉．托斯朵蒂爾（Inga Svala Thórsdóttir）與吳山專（Wu Shanzhuan）也透過符號與數學邏輯，在紙張層面上進行觀念性的抵抗 。
STPI 的展位提供了收藏大師級實驗的特殊機會，這些作品並非單純的版畫，而是藝術家在 STPI 工作室特定語境下的再突破。特別是徐道獲與 STPI 累積超過十年的合作經歷，其版畫作品已成為研究其裝置脈絡不可或缺的一部分。在本次巴塞爾藝術展中，STPI 展示了亞太藝術家如何透過較小尺幅的紙上作品，將宏大的政治敘事或私密的身份記憶轉化為具備高度學術價值與市場稀缺性的傑作。這些具備美術館等級紀錄的藝術家系列，無疑是專業收藏家建立亞洲當代藝術系統性收藏時的重點標的。
Do Ho Suh, My Homes, 2014. Thread drawing embedded on STPI handmade cotton paper, 147.5 × 274.5 cm. Courtesy of the artist and STPI.
▋耿畫廊 & TKG+｜1D27
臺灣指標性畫廊空間耿畫廊與 TKG+ 攜手，以「複調」（Polyphony）作為本次的策展主題。在音樂理論中，「複調」意指多個獨立旋律線同時行進，互不從屬卻在對位中交織出豐厚和聲，展覽以此隱喻異地文化下的相互凝視。透過十位藝術家截然不同的創作語彙，在空間中構築出跨越國界，卻又彼此互文、跳脫單一敘事的集體圖景，呈現了東亞、東南亞，乃至於全球化語境下，殊途同歸的生命樣態。
臺灣藝術家薛保瑕、袁慧莉、蘇孟鴻、中國藝術家蘇笑柏與彭薇，深耕於東方美學的養分，在材質與空間調度中拓展平面繪畫的向度。林明弘則以臺灣傳統花布圖樣為基礎，將裝飾性圖像從織物延伸至畫布表面，進行再編與轉譯。
蘇孟鴻，《粉紫花鳥圖》，2025。圖／耿畫廊提供。
中生代藝術家蔡佳葳、何采柔、陳敬元，以及柬埔寨藝術家索菲普．皮奇（Sopheap Pich），則將視角由外部世界轉向內在的微觀感知，以觀念性的手法處理身體、記憶或社會性書寫，在冷靜的畫面下隱藏著強烈的情緒張力。其中，臺灣藝術家陳敬元的創作尤為關鍵，他以具象繪畫作為圖像紀錄與詩性想像的交疊點，捕捉日常風景、政治符號與人物姿態所觸發的抽象感知。陳敬元善於保留手勢肌理的筆觸，透過光影配置與歷史圖像的解構，建構出介於清晰與未知之間的「畫面—場景」（tableaux），顯示個人與集體的記憶和歷史如何被形塑、被爭奪，人物姿態與場景因而被暫置於未定之中，而不被單一敘事收束。
陳敬元，《鴿子 X》，2025。圖／TKG+提供。
▋Empty Gallery｜藝廊薈萃
香港畫廊 Empty Gallery 將在 2026 巴塞爾藝術展香港展會的「藝廊薈萃」（Galleries）展區登場。坐落於香港田灣海岸，由鄭成然（Stephen Cheng）於 2015 年創立，Empty Gallery 在高度商業化的香港藝術生態中是一個關鍵的異數。畫廊摒棄了標準的「白盒子」空間，以佔地兩層樓、4,500 平方英呎的「黑盒子」空間挑戰我們的觀看習慣。在總監劉文棟（Alexander Lau）的策畫下，Empty Gallery 專注於聲響、動態影像與現地裝置等「非物件導向」（non-object-oriented）的藝術實踐，並透過旗下實驗音樂廠牌「Empty Editions」與國際上專於時基藝術（time-based art）的機構進行聯動，致力於填補亞洲藝術生態中對於前衛實驗的空缺。
Empty Gallery 畫廊空間，《La Moustache》，2025 – 2026，展覽現場。圖／取自 Empty Gallery。Courtesy of Empty Gallery.
Empty Gallery 的核心價值在於對藝術家生涯的「長期承諾」，主張在快節奏的市場環境中放慢腳步，為藝術家提供一個能夠進行深度實驗的場域。畫廊透過與亞裔旅外藝術家，以及本地前衛藝術家的合作，將「在地性」昇華為一種對東亞地緣政治與文化想像的實質探究。近期，畫廊持續透過跨界的委製計畫，舉辦表演、派對、音樂會或電影放映等活動，建立起一個開發感知的平臺。例如，2026 年 2 月舉辦的「鬍鬚：詩人的漫步」（La Moustache: A Poet’s Walkthrough）活動，由詩人兼表演藝術家艾瑞絲提德．柯比（Aristilde Kirby）引導，針對喬登．史坦（Jordan Stein）策劃的展覽《鬍鬚》（La Moustache）進行導覽，並且進行海岸步行，前往畫廊附近的「神像墓園」（Graveyard of Gods），那裡安置超過 2,000 尊被留置的佛像。
Empty Gallery 畫廊空間，《La Moustache》，2025 – 2026，展覽現場。圖／取自 Empty Gallery。Courtesy of Empty Gallery.
▋Perrotin｜1D24
自 1990 年由艾曼紐．貝浩登（Emmanuel Perrotin）創立以來，貝浩登（Perrotin）已從巴黎發跡成為全球最具影響力的當代藝術畫廊之一，目前其版圖橫跨巴黎、紐約、洛杉磯、倫敦、杜拜，並在香港、首爾、東京、上海設有戰略性空間。他們不僅是一間畫廊，更是一個具備強大出版能力與跨國策展視野的體系，致力於推動具備學術潛力與市場價值的中生代與新銳藝術家。
貝浩登東京空間，黃麗音，《When an Encounter Takes Place》，2025，展覽現場。圖／貝浩登提供。Photo: Osamu Sakamoto. Courtesy of the artist and Perrotin.
貝浩登透過其深耕亞洲的脈絡，在 2026 巴塞爾藝術展香港展會展現了畫廊對於亞洲地緣政治與物質文化的關注，其合作的藝術家黃麗音（Steph Huang）受邀展出於「藝聚空間」（Encounters）單元，將推出新的個人項目《嫁接》（Grafting）。本次作品延續了藝術家對現成物一貫的敏銳捕捉，將手工吹製玻璃、工業用油桶、燈具與聲音組件結合，打破了物件原有的功能邊界，創造出精緻與粗獷、脆弱與堅硬並存的矛盾詩意。
對於收藏家而言，黃麗音作品的收藏價值在於藝術家如何從亞洲特有的市場文化中提煉語彙，並在旅居英國的跨文化經驗中，轉化為一種全球通用的美學符號。在當代雕塑逐漸從純粹形式轉向文本建構的趨勢下，黃麗音的實踐提供了具前瞻性的逆向思考。
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Steph Huang, Summit, 2025, Tatami,hand-blown glass, light, dimensions variable. Photo: Chi Hung Chu. Courtesy of the artist and Perrotin.
▋采泥藝術｜3D27
位於臺北的采泥藝術本次將帶來《筆止之處：許雨仁的孤行之路》，呈現臺灣藝術家許雨仁四大重要系列：「細筆系列」、「粗筆系列」、「彩墨系列」與「彩筆系列」。采泥藝術自 2012 年在臺北創立以來，致力探索東西方藝術文化的交融，並推動其和諧匯流之美，秉持「藝術家為核心」的理念，在專業的學術研究與靈活策展中，推動華人藝術進入國際語境。此次展出許雨仁的作品，正是畫廊深化代理藝術家時代價值、促進跨文化對話的重要實踐。
許雨仁的視覺語言深受道家宇宙觀與東方《易經》思想，以及他長年觀察台灣山嶽地景與海岸氣候的經驗所啟發。在本次展出的四大系列中，觀眾能看見從輕盈細線到濃烈筆觸的律動。2000 年後，許雨仁發展出獨具一格的「細筆斷續線」筆法，結合以留白為重的空間構成，使作品充滿道家哲學。他的筆觸亦是一種「存在的方式」，是對於孤獨、節奏，以及當下喧囂的抵抗。這種在靜謐裂隙中提煉出的藝術語彙，展現了藝術家在多重媒材間自在遊走的能量，也確立了他在當代水墨論述中的關鍵意義。
▋延伸閱讀｜逆洄的捉影（drawing）「溺浮沉洄：許雨仁回顧展」中拓邊的繪畫疆界與型制
許雨仁，《粗筆系列之一一二》，2022。圖 / 采泥藝術提供。
▋亞紀畫廊｜3C35
位於臺北的亞紀畫廊（Each Modern）關注戰後至當代藝術家，焦於當代臺灣與中國的藝術實踐，以及東方影像與視覺文化的再閱讀，其核心不在於追求風格的繁複，而是在於探索觀念如何跨越文化與歷史脈絡進行轉譯。畫廊將於展會中讓這些長期關注的軸線匯聚，並帶來日本攝影巨匠荒木經惟與當代水墨藝術家許炯的雙個展。
在東亞傳統中，書法從非單純的文字紀錄，而是手腕律動、呼吸節奏與生命狀態的總和。荒木經惟與許炯正是在此基礎上，將書法從傳統框架中解放，轉化為現代身體感的再現。對荒木經惟而言，書寫與攝影本同源，皆是源自身體在時間中留下的痕跡。其作品不僅直面肉身與情感的張力，亦是對生命消逝的凝視的相互映射，從中建構出極具精神性的私密敘事。
荒木經惟，《Untitled from Erotos》，1993。圖 / 亞紀畫廊提供。
與之呼應的則是許炯獨具一格的水墨實踐。他以跳脫傳統「大字書法」潮流的姿態備受矚目。此次展出的作品《小王和大王》，以「小王弒知音而成大王」為隱喻，如對古典「知音」命題進行了一場現代轉譯與深刻叩問。在追求世俗成功與自我成長的過程中，個體與本真初心的殘酷決裂。許炯的線條呈現出如唐代賈島詩風般的清寂瘦硬，卻又包裹在諧謔的當代敘事之中，這種形式上的衝突，精準捕捉了現代人在流動自我中尋求定位的焦慮。
▋延伸閱讀｜對新生代藝術家許炯新書法有感
許炯，《小王和大王》，2017 – 2023。圖 / 亞紀畫廊提供。
▋ANOMALY｜3C04
自 2018 年於東京創立以來，ANOMALY 正如其名，象徵著對於常態秩序的「偏離」與「異常」。這間畫廊不侷限於傳統商業空間的框架，更積極透過深入的研究與對話，推動展覽、表演與公眾計畫等多元形式的活動。儘管在疫情期間國際交流受限，ANOMALY 仍憑藉與美術館、策展人及藝術家之間的緊密連結，持續在全球藝術版圖中擴張其影響力，致力於耕耘具備變革性的文化實踐。
Noe Aoki, roka II (filtration II), 2015, Iron, 135 × 66 x 54cm. Courtesy of the artist and ANOMALY.
在 2026 巴塞爾藝術展香港展會的「藝路迴聲」（Echoes）展區中，畫廊精選了青木野枝（Noe Aoki）、衣川明子（Akiko Kinugawa）與今津景（Kei Imazu）三位女性藝術家的作品，質疑了身體的固定形象，提出一種更開放、多層次的觀看視角，並將身體詮釋為一個持續在與他人及非人的關係中轉化的可變實體。其中，青木野枝最知名的系列是以工業鐵板為材料，透過重複的融合與焊接過程，釋放雕塑的量體感，勾勒身體在空間中的存在與結構。衣川明子則在畫布上施以層層極薄的油彩，探索身體與風景之間的邊界，描繪出那些曖昧浮現並緩慢改變的生命形態。而旅居印尼萬隆的今津景，她的繪畫則使身體產生變異，近年更將印尼的神話、殖民史與生態危機編織進畫布中，賦予作品普世性的關懷。
ANOMALY 的展位呈現了日本當代藝術中極具學術深度的面向，青木野枝已獲得中原悌二郎獎（Teijiro Nakahara Award）、每日藝術獎（Mainichi Art Price）等多項指標性榮譽，其作品更被東京國立近代美術館等重要機構收藏，具備穩健的收藏價值。而今津景在 2025 年接連於東京歌劇城美術館（Tokyo Opera City Art Gallery）與雅加達努桑塔拉現當代美術館（Museum MACAN）舉行個展，顯示其市場與學術關注度正處於高峰。她從日本移居印尼的生命經驗，使其作品成為亞洲當代藝術流動性的絕佳範例，這不再只是地緣標籤，而是透過材料堆疊，對當代複雜的亞洲社會結構進行的重組。
Kei Imazu, war dance, 2026, Oil on canvas, 194 × 130 × 4cm. Courtesy of the artist and ANOMALY.
▋Neon Parc｜藝術探新
墨爾本畫廊 Neon Parc 成立於 2006 年，目前在墨爾本的布朗斯威克（Brunswick）與南亞拉（South Yarra）設有兩個空間。他們以其極具開創性的策展方式聞名，代理名單涵蓋潛力新銳到享譽國際的資深藝術家，這些藝術家是全球各大雙年展、美術館的常客，其作品廣泛被亞太地區及全球的重要公共與私人機構入藏，展現了畫廊在挖掘具備時代意義的作品上深厚的實力。
Neon Parc 畫廊空間，Nabilah Nordin，《Scripts》，2025，展覽現場。圖／取自 Neon Parc。Courtesy of the artist and Neon Parc.
在 2026 巴塞爾藝術展香港展會的「藝術探新」（Discoveries）展區中，Neon Parc 重點呈獻出生於新加坡、現居紐約的藝術家納比拉．諾丁（Nabilah Nordin） 的系列新作《Hot Rod Dilemma》。這組由 16 件雕塑構成的作品，將都市環境中常見的臨時性結構轉化為精確的雕塑語彙，探討了人造環境如何被建造、支撐與瓦解。諾丁的作品始於一種嚴謹的構造邏輯：她以焊接鋼架勾勒出重量與張力的邊界，再透過環氧樹脂、混凝土、沙石、花崗岩甚至 17 世紀的仿大理石工法「Scagliola」進行干預。這些作品既是考古般的遺物，也是建築過程中的切片，完整保留了建構過程中的熱力、壓力與手感痕跡。
諾丁近年已被維多利亞國家美術館（NGV）、新南威爾斯美術館（AGNSW） 等重要機構入藏，並曾在新加坡雙年展中展出。學術地位正處於快速上升期。在當代藝術收藏日益強調物質性的趨勢下，其結合能量、色彩與觸覺張力的作品，是具備前瞻性且極具視覺魅力的重點標的。
Nabilah Nordin, Borum Peel, 2026, 40.3 × 25.1 × 25.4 cm. Courtesy of the artist and Neon Parc.
▋P21｜1C25
首爾畫廊 P21 自 2017 年於梨泰院創立以來，始終以深厚的學術眼光，在 21 世紀當代藝術的實驗性與市場性之間取得精準平衡。作為韓國當代藝術版圖中不可忽視的先鋒力量，他們致力於推介具備強烈個人語彙的中生代與新銳藝術家，並透過頻繁參與國際藝博會建立全球影響力 。特別是在 2025 年巴塞爾藝術展香港展會中，其代理藝術家申旻（Shin Min）更榮獲了首屆美高梅藝術獎（MGM Art Prize），顯見畫廊在挖掘亞洲當代藝術家的敏銳度。
Yaerim Ryu, Family Time, 2025, oil on canvas, 265 × 190 cm. Courtesy of the artist and P21.
在 2026 巴塞爾藝術展香港展會的「藝術探新」（Discoveries）展區中，P21 將呈獻韓國藝術家柳睿林（Yaerim Ryu）的個人項目《Peter》。作品圍繞著一位虛構的尼安德塔人「Peter」展開，透過模擬博物館的陳列與考古現場的敘事，藝術家將大尺幅油畫與地面上的陶土雕塑結合，描繪科學研究室、骨骸研究及博物館遊客的景象。作品突破了繪畫的平面界限，將繪畫轉向虛構敘事與物質證據崩塌邊緣的辯證。
作為曾入選 2022 年斐列茲（Frieze）與香奈兒（Chanel）聯合資助的「Now & Next」專案的新銳，柳睿林的市場關注度正持續攀升中。對於尋求學術厚度，以及豐富視覺表現的收藏者而言，柳睿林這種結合繪畫與雕塑的總體藝術實踐無疑是值得關注的標的。
Yaerim Ryu, Archaeologists, 2025, clay, cotton, acrylic paint, 60 × 160 × 110 cm. Photo: Lim Jangwhal. Courtesy of the artist and P21.
不只是賣店，當代畫廊作為知識生產中心
在過去的藝術權力結構中，商業畫廊常被視為單純的市場中介；然而，在當前複雜的藝術生態中，這群具備策展視野的空間正展現出另一種維度的生命力。他們不再滿足於扮演被動的供應商，而是成為主動的藝術史的書寫者與知識的生產者。透過高度系統化的展覽策畫與長期駐村計畫，這些空間在快節奏的市場運作中，開闢出一條慢速沈澱的平行時空。他們實驗的核心在於，當代畫廊如何既能自負盈虧，又能提供藝術生態所需養分，實現對藝術生命長遠的支持？在香港這座充滿變動與壓力的城市中，這種思辨的能力顯得尤為珍貴，使得商業交易不再與藝術價值對立，而轉化為一股支持激進想像的實質動能。
Art Basel Hong Kong 2025. Courtesy of Art Basel.
當我們所討論的「亞洲性」，已逐漸脫離為了回應西方視角而刻意展示的符號，透過本次精選的 15 個空間，我們看見了一種更具普世意義的知識生產路徑：首先是物質的檔案化，藝術家不只使用媒材，更將物質視為一種抵抗歷史遺忘的手段。其次是跨地域的對話，透過對亞裔旅外藝術家與在地創作脈絡的連結，亞洲觀點正從單一的政治認同，轉向對感知邊界、社會機制與宇宙觀的深度探索。再者是資源的整合，策展人與畫廊主正在當代的泥沼中整合多方資源，將此時此刻的實驗成果存入面向未來的想像。
另一方面，對專業收藏家而言，當今收藏家年所扮演的角色，更接近於一位文化投資人與歷史參與者。當我們選擇支持具備策展深度的空間時，收藏的行為便超越了物件的佔有，而成為一種對未來敘事的共同書寫。這種未來是在紛雜的全球資訊洪流中，留下一份關於感知的真實與美學觀點的當下檔案。這 15 間藝廊所呈現的正是在這樣的現實裡尋找生存策略的姿態，他們反映了亞洲觀點是一個可以被持續反芻、調整且具備無限擴張潛力的開放系統，在這場展會結束之後，還將留下不斷挑戰定義的意志。
Art Basel Hong Kong. Courtesy of Art Basel.
展覽資訊
Art Basel Hong Kong 2026 巴塞爾藝術展香港展會
地點｜香港會議展覽中心（HKCEC）
貴賓預展日（憑邀出席）｜
03.25（三）12:00 – 20:00
03.26（四）12:00 – 20:00
03.27（五）12:00 – 14:00
03.28（六）12:00 – 14:00
03.29（日）11:00 – 12:00
開幕之夜｜
03.26（四）16:00 – 20:00
公眾開放日｜
03.27（五）14:00 – 20:00
03.28（六）14:00 – 20:00
03.29（日）12:00 – 18:00
REFERENCE
Art Basel
