2025 邁阿密海灘巴賽爾藝術展（Art Basel Miami Beach，以下簡稱ABMB）再度串聯全球南北方，從二十世紀經典與戰後前衛，到拉丁美洲與加勒比的新一代聲音，勾勒當代藝術的多重版圖。今年不僅有超過兩百家畫廊為 Galleries 單元帶來跨世代創作，策展單元 Kabinett、Meridians、以及 Nova, Positions and Survey 也持續推進聚焦主題展、大型裝置、新銳實驗與歷史再發現；同時首度登場的 Zero 10 數位藝術收藏平台，在 OpenSea 助力下，將 Art Basel 的實體展會延伸至快速成長的數位藝術生態，預示新一波全球收藏浪潮。
巴塞爾藝術展邁阿密海灘展會。圖／Art Basel 提供。

Galleries｜歷史性的再發現到大膽的當代宣言：橫跨南北半球的藝術實踐全貌

作為本博覽會的核心區域，Galleries 匯集了來自美洲、歐洲與其他地區的 226 家頂尖畫廊，呈現從二十世紀博物館級大師之作到當代重要藝術的多元光譜。這裡展現出藝術發展的延續與革新：國際藍籌畫廊與成熟機構並肩亮相，也有來自美國與拉丁美洲的新生代展商加入。整體構成彰顯博覽會作為跨越整個半球的藝術與文化交流平台，其影響力正不斷擴大。

二十世紀與戰後藝術

以「現代主義的全球對話」為核心，展區呈現二十世紀藝術家如何跨越洲際邊界，重新思考「視覺感知」與「形式」，並由此發展出全新的視覺語彙。這些作品共同邀請觀者從跨地域、跨文化的交流與實驗角度出發，重新閱讀並理解現代主義的典範。

  • Berry Campbell（紐約） 聚焦女性在抽象表現主義中的貢獻，展出 Baber、Bing、Elaine de Kooning、Drexler（包含其 1960 年代重要大作）、Frankenthaler 等人。並首度呈現 Mary Ann Unger 與 Louisa Chase 的藝術遺產，拓展戰後美國抽象的敘事。
  • Johyun Gallery（釜山、首爾） 首次亮相邁阿密海灘藝博，以「物質、時間與過程」為題，呈現朴栖甫、李培、菊地信夫、李光皓與 Bosco Sodi 等人，涵蓋五十年的過程導向抽象：從朴栖甫的冥想筆觸到 Suga 的材料介入，再到 Sodi 厚重肌理的顏料與黏土。
  • Sicardi Ayers Bacino（休士頓） 匯集拉丁美洲在光學、幾何與觀念藝術中的經典作品，以 Lygia Clark《內即是外》（1963）為核心，搭配 Cruz-Diez 晚期色彩動態作品與 Ferrari、Gego、Mercedes Pardo、Fanny Sanín、Xul Solar 等人，突顯其在戰後抽象中的奠基作用。
  • Tornabuoni Art（佛羅倫斯、巴黎、米蘭、羅馬、佛爾泰德馬爾米、克朗蒙塔納） 聚焦義大利戰後前衛，主打 Boetti 的《Mappa》刺繡系列，並呈現 Fontana 的割畫、Burri 的「燃燒」作品、de Chirico 的夢幻圖像，以及 Dadamaino 的動態光學創作（近期於多館展出）。
  • Locks Gallery（費城） 橫跨七十年美國現代主義，展出 Louise Bourgeois、Isamu Noguchi、Robert Motherwell、Lynda Benglis 的重要作品，並搭配 Willem de Kooning、Pat Steir、Mary Corse、Jennifer Bartlett 與 Edna Andrade 的繪畫。從野口勇的生物形態雕塑到 Benglis 的澆注乳膠與金屬作品，從 Motherwell 的手勢性筆觸到 Corse 的光感極簡表面，此次呈現揭示雕塑與繪畫中抽象語彙的形式與觀念演進。
  • Van de Weghe（紐約） 重點呈現 Andy Warhol《格雷維斑馬》（1983）出自〈瀕危物種〉系列，並展出兩件 Alexander Calder 1930–40 年代的金屬雕塑，標誌其動態語彙的早期典型。
  • Alisan Fine Arts（香港、紐約） 首次亮相邁阿密海灘藝博，聚焦 Chinyee、丁雄泉與 Ming Fay 三位華裔美籍藝術家，以抒情色彩與動作在東西方抽象之間建立開創性連結。
  • Mayoral（巴黎、巴塞隆納） 打造西班牙戰後前衛與加勒比回聲的對話：以 Miró《女人，鳥》（1975）為中心，並呈現 Tàpies、Millares、Chillida 與 Lam（現於 MoMA 大展中）。同場加入 Marria Pratts 與 Rachel Valdés，延伸至當代脈絡。
     

Johyun Gallery｜李培（Lee Bae），《Brushstroke A1》，2025 ，版次 2/5。圖／Art Basel 提供。
Berry Campbell ｜海倫．法蘭克蘭特勒（Helen Frankenthaler），《Against the Rules》，1983 。© Helen Frankenthaler Foundation。圖／Art Basel 提供。

拉丁美洲與加勒比地區

來自拉丁美洲與加勒比地區的畫廊，以「過程為核心」的創作方式、對歷史的回望，以及對社會的想像，重新梳理文化傳承的脈絡。跨世代的藝術對話呈現出整個區域的當代多樣面貌，以及跨越地域與觀點的差異。同時，凸顯了ABMB在連結全球南方與北方、促進交流與理解中的關鍵位置。

  • Leon Tovar Gallery（紐約、波哥大） 聚焦三位拉丁美洲現代主義女性先驅－Feliza Bursztyn、Tecla Tofano、Emma Reyes。以焊接構成、諷刺陶藝與鮮明繪畫呈現個人敘事與政治抵抗，展現女性在現代主義中的多元聲音。
  • Galatea（聖保羅、薩爾瓦多）x  Isla Flotante（布宜諾斯艾利斯） 首次合作，跨代串接拉丁美洲實驗傳統。由戰後重要藝術家 Adario dos Santos、Lygia Clark、Rubem Valentim、Mira Schendel、Antonio Dias 等奠基，再與 Mariela Scafati、Pablo Accinelli、Rosario Zorraquín 等新生代呼應。
  • El Apartamento（哈瓦那、馬德里、邁阿密）作為首家自古巴本島登上ABMB的畫廊，以「他者性」為題。展出 Fonseca、Contino、Diago、Hernández 與 Leal，從木材肌理、城市碎片到剪紙結構，探討符號、身分與政治差異在古巴內外的作用。
  • A Gentil Carioca（里約熱內盧） 匯聚探討遷移、歸屬與集體能動性的藝術家。Martins 以地圖式繪畫描繪離散；Camíz 的纖維裝置與 Baniwa 的多媒體作品延伸至原住民宇宙觀；OPAVIVARÁ! 與 Renata Lucas 則以參與式作品激發公共空間的共享想像。
  • Almeida & Dale（聖保羅） 展出 Maxwell Alexandre（Kabinett 單人展）與 Tunga、Leonilson、Jaider Esbell 等多位巴西藝術家，同時引入辛巴威的 Moffat Takadiwa 與喬治亞的 Nino Kapanadze。Takadiwa 的廢棄物壁掛與 Kapanadze 的光感繪畫，強調跨地域的轉化、記憶與連結。
  • Mendes Wood DM（聖保羅、布魯塞爾、巴黎、紐約） 呈現 Paulo Nazareth、Sonia Gomes、Rosana Paulino、Pol Taburet 與 Mimi Lauter 的近期創作，涵蓋繪畫、雕塑與紡織。Taburet 的鮮明肖像與 Lauter 的光感粉彩構圖，共同喚起地方感與記憶的情感質地。
  • kurimanzutto（墨西哥城、紐約） 聚焦 Gabriel Orozco 的新作，延續其對幾何與偶然性的研究。作品與〈Samurai Tree〉系列呼應，如《The Eye of Go (Blue)》（2024），以圓形結構與色彩序列生成冥想式節奏，探索規則與遊戲性的關係。


Leon Tovar Gallery｜特克拉．托法諾（Tecla Tofano），《人類學：出自〈書與其逃逸〉系列》（Antropología, from El libro y su evasión series），1975 。 圖／Art Basel 提供。
Galatea｜Dalton Paula，《散文 II》（Prosa II），2002 。© Dalton Paula，攝影：Ding Musa。圖／Art Basel 提供。

Mendes Wood DM｜Sonia Gomes，《晨袍》（Robe de chambre），2024 。© Sonia Gomes，攝影：Ding Musa。圖／藝術家與 Mendes Wood DM（聖保羅、布魯塞爾、巴黎、紐約）提供。

當代探索

本屆博覽會的當代單元捕捉了今日藝術實踐的緊迫性與多樣性，展現當代藝術在材料、身分與生態議題上的多元實驗與前沿創作。無論是繪畫、雕塑、行為或裝置，作品皆展露跨越兩個半球的創作能量，將新銳聲音與具代表性的藝術家匯聚一處，共同勾勒當代實驗創作的多重面貌。

  • Mor charpentier（巴黎、波哥大） 以「身體作為記憶與抵抗」為核心，匯集 Kader Attia、Teresa Margolles、Oscar Muñoz 等拉丁美洲、北非與中東藝術家。作品以見證與修補的方式回應移民、性別暴力與環境危機，並以政治性與詩意重新界定肖像形式。
  • Commonwealth and Council（洛杉磯） 展出 Beatriz Cortez、Carolina Caycedo、Clarissa Tossin 與 Fidencio Fifield-Pérez，將生態思維與離散歷史連結。作品從手工金屬結構、懸掛布料到剪紙地圖，探討河流、遷移與集體旅程的軌跡。
  • DOCUMENT（芝加哥、里斯本） 呈現 Julien Creuzet、Paul Mpagi Sepuya、Erin Jane Nelson 等人，聚焦影像在物件與空間中的擴展。亮點包含 Creuzet 曾於威尼斯雙年展展出的雕塑，以及 Nelson 描繪美國生態地景的陶瓷壁作。
  • Sikkema Jenkins & Co.（紐約） 以跨媒材對話為主線，展出 Sheila Hicks、Teresa Lanceta 的編織構圖；Jeffrey Gibson 與 William Cordova 的原住民與離散文化語彙；Kara Walker 的剪紙肖像；以及 Erin Shirreff 與 Vik Muniz 關於影像、材料與感知的實驗。
  • James Cohan Gallery（紐約） 以跨媒材對話為主線，展出 Sheila Hicks、Teresa Lanceta 的編織構圖；Jeffrey Gibson 與 William Cordova 的原住民與離散文化語彙；Kara Walker 的剪紙肖像；以及 Erin Shirreff 與 Vik Muniz 關於影像、材料與感知的實驗。
  • Von Bartha（巴塞爾、哥本哈根） 展出 Francisco Sierra 的 O Sole Mio 系列新作，以超現實繪畫重新思考「被過度觀看的夕陽」。並與阿根廷 Madí 運動先驅 Gyula Kosice 的歷史雕塑及 Erin Shirreff 的全新青銅雕塑並置，展開光線、形式與物質性的對話。
  • Casa Triângulo（聖保羅） 呈現巴西藝術家 Antonio Henrique Amaral 1960–70 年代直面政治暴力的表現性繪畫，以及多媒體團體 avaf 的沉浸式裝置。並與 Joana Vasconcelos、Eduardo Berliner 及將參加下一屆威尼斯雙年展的 Matias Duville 同場展出。


Casa Triângulo｜Eduardo Berliner，《Cabra》，2024 。由 。© Eduardo Berliner。攝影：Pat Kilgore。圖／Casa Triângulo（聖保羅）提供。

DOCUMENT｜Julien Creuzet，《Attila cataracte, ta source aux pieds, des pitons verts, finira dans la grande mer, gouffre bleu, nous nous noyâmes, dans les larmes marées, de la lune, Shékéré, clefs, perles du Ghana》，2024 。© Julien Creuzet。圖／藝術家與 DOCUMENT（芝加哥、里斯本）提供。

畫廊新聲音

今年共有 49 間畫廊首次參與 ABMB，進一步強化博覽會對「發掘新聲音」與「支持全球新興計畫」的承諾。其中有 19 間畫廊直接加入主展區 Galleries，另有 11 間畫廊則是在 Nova、Positions 或 Survey 單元展出後再度回歸，體現博覽會在自身生態系中持續培育新生代畫廊的努力。

  • Cristin Tierney Gallery （紐約）首度呈現 Dread Scott、Jorge Tacla 與 Sara Siestreem（Hanis Coos）的新作，並展出 Malia Jensen、Roger Shimomura、Julian V.L. Gaines 等人的近期創作。Tim Youd 的連續性行為表演以美國身分為題，回應即將到來的美國 250 週年。
  • Nina Johnson（邁阿密） 首次亮相，呈現 Patrick Dean Hubbell 的新作，以迪內（Diné）族宇宙觀、語言與織物傳統交織抽象構圖，連結原住民知識與當代形式。
  • Dastan Gallery（德黑蘭、多倫多） 介紹新世代伊朗藝術家，包括 Maryam Ayeen & Abbas Shashasvar、Farah Ossouli、Homa Delvaray 與 Hoda Kashiha，以波斯細密畫的幾何與敘事傳統為基礎展開當代實驗。
  • Richard Saltoun Gallery（倫敦、羅馬、紐約） 聚焦四位拉丁美洲先鋒：95 歲的 Cossette Zeno（1950 年代以超現實畫作震撼巴黎）、Elizam Escobar（獄中創作批判殖民與權力）、Marcelo Benítez（以繪畫與文字探討身分與抵抗）、Olga de Amaral（以金箔與纖維塑造文化與精神場域）。
  • Vadehra Art Gallery（新德里） 聚焦南亞的女性主義與酷兒視角，展出 Nalini Malani 的繪畫與 Sunil Gupta 的攝影，包括 Gupta 於 1983 年的經典系列《Towards an Indian Gay Image》。
  • PKM Gallery（首爾） 呈現 Benjamin Hyunjin、Chung Hyun、SAMBYPEN 與 Cody Choi 的作品，以繪畫、雕塑與數位裝置串聯韓國現代美學與全球實驗語境。
  • Roslyn Oxley9 Gallery（雪梨） 展出 Isaac Julien《Statues Never Die》系列的雙聯作《Diasporic Dream Space Diptych》，並呈現 Daniel Boyd 與 Dhambit Mununggurr 的原住民與 Yolŋu 歷史新作，以及 Del Kathryn Barton 的大型肖像、Dale Frank 的樹脂畫與 Bill Henson 的攝影。Jim Lambie 與 James Angus 的作品延續對節奏、空間與感知的探索。

Vadehra Art Gallery｜Sunil Gupta，〈派對〉（The Party），出自《流亡者》（Exiles）系列，1986–1987 。© Sunil Gupta。圖／由藝術家與 Vadehra Art Gallery 提供。

多家回歸畫廊首次進入主展區：包括 Roslyn Oxley9 Gallery（雪梨）、SMAC Art Gallery（開普敦、斯泰倫博斯）、Weinstein Gallery（舊金山），以及首次直接加入主區的 ACA Galleries（紐約）、Aicon Gallery（紐約）、Galerie Judin（柏林）、MARCH（紐約）、Olney Gleason（紐約）、Galeria Marília Razuk（聖保羅）與 Southern Guild（開普敦、洛杉磯）。

Kabinett｜展中展，呈現特定主題及聚焦接觸特定創作的獨立策展項目。

Kabinett（原意為小房間或收藏室，可理解為博覽會中的「展中展」）為畫廊提供在主展位內呈現獨立策展項目的機會，使觀者能以更聚焦的方式欣賞單一藝術家的創作，也讓作品敘事在博覽會的大脈絡中得以深化。今年的 Kabinett 橫跨繪畫、版畫與雕塑式裝置，以多樣形式探討傳承、材料轉化與形式的政治性。

  • Gray（芝加哥、紐約）展出 Virtual Still Lifes，一個聚焦於 Roger Brown 晚期系列（1995–97）的特別裝置。作為芝加哥意象派的重要人物，Brown 將繪畫與組構並置，營造既諷刺又帶靈性寓意的美國生活場景。透過油畫與微型物件的結合，作品模糊了風景與靜物、現實與幻象之間的界線。以 Brown 特有的機智與精準呈現，Virtual Still Lifes 反思蒐藏的日常劇場，以及日常物件中微妙的超現實。
  • Canada（紐約）以 Marc Hundley T-Shirts: 1997 to Now 致敬 Marc Hundley 長達數十年將私人轉化為公共語境的創作。展牆上陳列手工模板與網版印製的 T-shirt，每件皆引用歌曲、文學與酷兒記憶的片段。下方的手工長椅與可帶走的海報延續 Hundley 的慷慨與親密精神。呼應他早年的小誌與街頭傳單，作品既是檔案也是姿態——一則關於記憶與歸屬如何透過藝術共享的冥想。
  • Mazzoleni（倫敦、杜林、米蘭）以精選 1950–60 年代作品，呈現古巴藝術家 Wifredo Lam 如何將超現實主義、非裔古巴精神性與戰後抽象融合為跨文化語彙。這些繪畫創作於他旅義時期，揭示 Lam 在精神與政治之間的終生對話，穿梭加勒比、歐洲與美洲之間。
  • Galerie Lelong（巴黎、紐約）展示 Etel Adnan 1960 年代少見展出的素描，捕捉她從文學轉向視覺藝術的關鍵時刻。於北加州反主流文化氛圍中創作，這些以水彩與墨水完成的作品脈動著其一生對感知、語言與地方性的詩性探索。
  • Edel Assanti（倫敦）呈現 Lonnie Holley 的小型組構、砂岩作品與彩繪雕塑，概覽他二十年來的轉化性實踐。Holley 擅長將廢棄物再生為關於韌性、精神性與黑人經驗的多層冥想，作品兼具儀式性與回收意義，讓美國民間語彙超越神話與生存的範疇。此展亦為 Holley 即將於 2026 年在史戴德立克美術館（荷蘭）與里沃利城堡（義大利）展出的個展預告。
  • Roberts Projects（洛杉磯）為迎接 Betye Saar 將於 2026 年迎來百歲，並呼應她獲選本屆 Art Basel Awards「Icon Artist」獎項，Regen Projects 發表其新作 Lost and Found －一件特別為現場打造的裝置。Saar 以天然與人造材料並置，將一艘直立的古董小船轉化成祭壇般的組構，內部填滿喚起祖先記憶、靈性與個人歷史的拾得物。作品以有機質感與感官層次構築沉浸式場域，充盈著神聖能量，反思時間、轉化與儀式力量的延續。
  • Garth Greenan Gallery（紐約）呈現專注於長谷川忠雄（Sadao Hasegawa, 1945–1999）的 Kabinett，他以奇幻且具多重典故的同性戀情色繪畫聞名。作品同時汲取 Tom of Finland、三島吾妻（Go Mishima）的情色插畫，以及東南亞神秘主義、日本民間傳說與奧維德神話。展覽置於低光紫色空間中，展示 1970–80 年代四件重要作品，包括《無題》（1976）、《巨嘴鳥》（1978）與《黑暗的補償》（1980），呈現其將情色視作狂喜釋放與精神昇華的願景。
  • Jenkins Johnson Gallery（紐約、舊金山）為紀念 Robert Colescott 誕生百年，本展回顧其 1960 年代的早期繪畫——那是他在埃及和法國的形成時期，也是其日後政治性人物畫風格的前奏。此展與多間機構回顧展同步，重新檢視 Colescott 如何以諷刺、顛覆與色彩激進重寫藝術史。
  • Sies + Höke（杜塞爾多夫）在 Allegories of Resistance and Hope 中，紐約的加拿大籍藝術家 Marcel Dzama 以新的大型水粉與墨畫延續其結合神話與政治的創作路徑。作品中充滿混種角色與夢境般的儀式，描繪介於抗議與遊戲、焦慮與優雅之間的詩性連續體。


Mazzoleni｜Wifredo Lam，《馬之女》（Femme Cheval），1966 。© Wifredo Lam Estate。圖／Mazzoleni 提供。 
Edel Assanti｜Lonnie Holley，《她不是金子》（She Was Not Gold），2023 。© Lonnie Holley，攝影：Sebastiano Luciano。圖／Edel Assanti 提供。
Galerie Lelong｜Etel Adnan，《無題》（Untitled），約 1960 。© Etel Adnan 遺產管理方（The Estate of Etel Adnan），經 ADAGP（巴黎）授權。圖／Galerie Lelong 提供。

Meridians｜最具野心與尺度的策展：跨地域、跨世代、跨媒材的大型作品的交會

第六屆 Meridians 再度成為 ABMB 的策展核心，作為專為大型、具機構級尺度作品打造的平台，拓展了博覽會的展出可能。本屆以「時間的形狀」為題，由 Yasmil Raymond 策劃，邀集跨世代與跨國藝術家，探討藝術如何呈現、扭曲或暫停「時間」。展名取自 George Kubler 1962 年的經典著作，呼應其對藝術創新的連續性思考。Raymond 將 Meridians 視為串連歷史與當下的「時間橋樑」，透過作品展現跨地域與跨世代的呼應。

Raymond 指出：「今年的 Meridians 呈現不同的時間觀：從形式與象徵的時間概念，到介於過去與現在之間的寓言式對應。有些作品反思創作作為一種事件；另一些則以機械攝影、錄像，甚至更近代的電腦系統，探索時間作為物理現象及其可被觀察的效應。」
Freight+Volume｜Ward Shelley 與 Douglas Paulson，《最後的圖書館 IV：以水書寫》（The Last Library IV: Written in Water）裝置現場。圖／藝術家提供。
作為展覽也是交流的平台，Meridians 拓展了博覽會對「美洲」的想像──不僅是一片地理區域，更是一組持續交換的思想與文化星群。透過大型裝置、沉浸式影像與雕塑，藝術家以多元方式探討時間作為物理與社會條件，為理解歷史、科技與人類經驗提供新的視角，並在時間的流動與斷裂之間重新定位我們自身。

Galería RGR｜Jesús Rafael Soto，《可穿透》（Penetrable），1992 。2023 年展於 Galería RGR「The Instability of the Real」展覽之裝置現場。© Jesús R. Soto / ADAGP，Paris 2025。圖／Galería RGR（墨西哥）提供。

  • Tang Contemporary Art（北京、香港、曼谷、首爾、新加坡）在 Double Wing（2016）中，黃永砅－中國前衛藝術樞紐人物、1986 年「廈門達達」創始人－以超現實手法重新奪回神話的解放力量。這件 monumental 的雕塑交織有機與機械元素，反映藝術家對毀滅與更新循環的思考，以及他長期關注的文化身分與信念議題。
  • Maruani Mercier（布魯塞爾）展出 Lyle Ashton Harris 的《The Watering Hole》（1996），以九幅攝影面板串聯十年間美國文化與政治的劇烈變動，將「水源地」作為再生與暴力並存的隱喻。
  • Peter Blum Gallery（紐約）義大利藝術家Luisa Rabbia 的新作《The Network》重新詮釋 Pellizza da Volpedo 的經典作品《Il quarto stato》（1901），以層疊色層構築象徵性的群體景觀，將勞工行進轉化為關於呼吸、歸屬與集體存在的冥想。
  • Freight+Volume（紐約）Ward Shelley 的步入式裝置〈The Last Library IV: Written in Water〉（2020–25）以偽造書籍與文獻構成「真相的劇場」，在假訊息時代探問圖書館與知識的可信度。
  • Rolf Art（布宜諾斯艾利斯）阿根廷藝術家Silvia Rivas 的沉浸式錄像《Buzzing》（2009）帶來沉浸式、壁面尺度的錄像裝置，以幽默與焦慮交織的方式呈現時間的流動與停滯，捕捉存在的荒謬張力。
  • Galería RGR（墨西哥城）罕見展出委內瑞拉藝術家 Jesús Rafael Soto 的經典 《Pénétrable》（1992），邀請觀者進入十六英尺高、由數千條懸吊細絲構成的立方體。作品消融身體與空間界線，延續藝術家對動態感知及時間「振動性」的探索。
  • Leila Heller Gallery（紐約、杜拜）敘利亞藝術家 Kevork Mourad 的《Memory Gates》（2021）是一件可步入的紙材裝置，以層疊線條構築如迷宮般的記憶空間，反思個人與集體歷史作為一種動態建構。
  • Catharine Clark Gallery（舊金山）x Ryan Lee（紐約）菲律賓裔美籍藝術家 Stephanie Syjuco 在《Neutral Calibration Studies (Ornament + Crime)》（2016）中剖析攝影與展示中的再現政治。並回應 Sontag 的「影像生態學」概念，揭示視覺文化如何編碼種族、真實性與權力，並將這些矛盾轉譯成雕塑形式。
  • Library Street Collective（底特律）Kennedy Yanko 的《Intimacy of Throes》（2024）將工業廢材轉化為感性且違抗重力的雕塑。以廢鐵場為起點，她切割並以火焰改塑金屬，之後覆上如皮膚般會「呼吸」的油漆表層。最終的形體既沉重又飄渺，重新奪回鋼鐵作為近似身體、有機性材料的特質，模糊力量與脆弱、工業與生態之間的界線。

Catherine Clark Gallery & Ryan Lee｜Stephanie Syjuco，《中性校準研究（裝飾 + 罪）》（Neutral Calibration Studies－Ornament + Crime），2016 Catharine Clark Gallery 展覽裝置現場。© Stephanie Syjuco。圖／藝術家、Catharine Clark Gallery（舊金山 ）與 RYAN LEE Gallery（紐約）提供。

Nova, Positions, and Survey｜新聲與再發現：展會的實驗平台與精準策展敘事

Nova

自 2003 年成立以來，Nova 一直是備受關注的前沿發掘平台，專注呈現近三年內的全新創作。今年共有 23 家畫廊帶來 22 組主題展位，多為個展，勾勒當代藝術的最新動向；其中有 8 家畫廊首次加入此單元。

  • Heidi（柏林）首次參加 ABMB 的 Heidi，呈現美籍牙買加裔藝術家 Akeem Smith 的全新刮刮畫系列，素材來自他龐大的加勒比 Dancehall 文化檔案。此展也是 Smith 自《No Gyal Can Test》（Red Bull Arts, 2020–21）後首次於美國舉辦的個展性呈現。
  • Pequod Co.（墨西哥城）展出墨西哥藝術家 Renata Petersen 的新作 Villa Purificación，延續她對信仰、性別與權力的探索。透過手繪陶瓷壁畫、花瓶與中央的吹製玻璃裝置，Petersen 建構一個萬花筒般的環境，呼應邪教建築與民間祭壇。取材自她母親在拉丁美洲研究靈性文化的田調，她將個人神話與集體信仰融合，反思虔誠、控制與美學之間的交織。
  • Candice Madey（紐約）首次亮相的 Candice Madey 帶來美國藝術家 Liz Collins 的個展，呈現其以紡織為核心、融合藝術、時尚與設計的實驗性創作。Collins 發表迄今最繁複的針織作品，以及新的織物浮雕，模糊表面與結構、手工與抽象之間的界線，持續探問酷兒性、觸覺與製作的政治。
  • Silverlens（馬尼拉、紐約）在 Between Ports 中，Silverlens 並置菲律賓重要藝術家 Bernardo Pacquing 與倫敦新銳藝術家 Nicole Coson，跨世代與跨地域地探討「材料轉化」。Pacquing 以馬尼拉城市廢棄物組構具觸感的組裝作品，展現即興與韌性；Coson 的單色「版畫式繪畫」與 3D 打印的靜物雕塑，將包裝材料轉譯為貿易與移動的視覺寓言。兩者共同反思移動、記憶，以及形塑當代生活的無形經濟。
  • Luis De Jesus Los Angeles（洛杉磯）Hugo Crosthwaite 的 Ex-Voto 系列以信仰繪畫為形式，重新詮釋美墨邊界的敘事性。每幅壓克力與彩鉛小品描繪來自藝術家長年觀察提華納邊境的生存與恩典故事。本次呈現將 Crosthwaite 的敘事寫實延伸至對遷移、韌性與信仰的深度冥想。


Pequod Co｜Renata Petersen，《FLDS 辮子》（FLDS Braids），2025 。© Renata Petersen。圖／Art Basel 提供。

Positions

Positions 以新秀藝術家的個展式展位為核心，讓藏家、策展人與機構能深入接觸具前瞻性的創作。今年共有 16 家畫廊參與，其中 10 家為首次亮相；展出作品共同探索物質性、感知機制與「後人類」的當代處境。

  • Nicoletti（倫敦）法國藝術家 Josèfa Ntjam 呈現一組嶄新的獨立式三聯作攝影拼貼，安置於可移動的松木結構中。作品延續 Ntjam 對殖民遺緒、神話與非洲離散宇宙觀的探索，透過層疊的檔案影像、推想小說與有機形態構築複合敘事。本作亦與她於第 36 屆聖保羅雙年展的參展同步製作，想像時間作為一個非線性的網絡——在其中，祖先記憶與未來願景交會。
  • Margot Samel（紐約）阿根廷出生、現定居墨西哥的藝術家 Carolina Fusilier 以 Inmortalistas 探索科技在生命終結之後的物質命運，及其與有機生命的糾纏。運用工業廢料、生物殘片與機電啟動結構，她創造互相連動的雕塑—繪畫裝置，其中的影像彷彿捕捉科技的無聲低語。作品勾勒出一種後人類神話——機器夢見自身再生，材料記得自身前世——於崩解與重生的循環中反覆。
  • Theta（紐約）在 Cinemaworld reboot (Deluxe) 中，Kelsey Isaacs 將其電影式靜物畫面擴張至沉浸、等身尺度的場域。她取材於廢棄電影棚拍攝的靜態場面，將聚光燈下的塑料雜物轉化為光感強烈、近乎抽象的構圖，回應好萊塢黃金年代的造假魅力。內嵌的 LCD 螢幕循環播放拍攝對象的內視鏡影片，形構奇觀與表面、幻象與揭示之間的動態張力。
  • Lomex（紐約）Lomex 展出日本藝術家、動畫設計師 天野喜孝（Yoshitaka Amano） 的作品，以裝置形式銜接奇幻與美術領域。以《科學小飛俠》《太空保衛隊》《Final Fantasy》聞名，Amano 的大尺幅繪畫與紙上作品將其視覺宇宙延展至姿態奔放的抽象與夢幻般的具象場景，將他的創作置於戰後視覺文化的連續脈絡之中。
  • Zielinsky（巴塞隆納、聖保羅）擁有中、非、巴拿馬血統的藝術家 Cisco Merel 將展位轉化為一座「活的建築」。作品以 Junta de Embarra——源自傳統巴拿馬 quincha 建築的集體踩踏儀式——為核心，透過表演、雕塑與建築形式的結合，將祖傳建造技法重新詮釋為文化抵抗與集體創造的行動。
  • Galeria Dawid Radziszewski（華沙、維也納）波蘭藝術家 Aleksandra Waliszewska 展出新作，融合中世紀圖像學與當代生活的詭異親密感。她的夢幻構圖——充滿幽靈般的人物、動物與寓言混種形象——借鑒哥德與象徵主義傳統，呈現既永恆又令人不安的心理與道德張力。

Margot Samel｜Carolina Fusiler，《Anahuacalli，生物宇宙花園》（Anahuacalli, Jardin biocosmitas）。© Carolina Fusiler。攝影：Ramiro Chaves。圖／Art Basel 提供。
Nicoletti｜Josèfa Ntjam，《地下公共體》（The Undercommons），2025 。© Josèfa Ntjam。圖／Art Basel 提供。

Survey

Survey 致力於呈現具歷史意義的藝術實踐之畫廊單元，聚焦在藝術史上具有持久影響力的創作，從被忽視藝術家的再發現，到對經典人物的全新詮釋，展現其對今日藝術語彙的深遠 shaping 力。今年共有 18 間畫廊參與，其中 12 間為首次加入；展出項目揭示跨世代的影響，也反映當代如何在新的文化與歷史脈絡下重新理解藝術的遺緒。

  • David Peter Francis（紐約）畫廊以 Pat Oleszko 的充氣裝置 Big Foots（1995）為展位核心，罕見呈現這位美國藝術家長達五十年的幽默、抗議與行為藝術實踐。這些高聳、由氣流驅動的雕塑——既是道具，也是角色——體現 Oleszko 的「行人藝術（pedestrian art）」概念，融合劇場、服裝與女性主義式諷刺。本次呈現亦為 Oleszko 2026 年於紐約 SculptureCenter 的回顧展暖身，再次確認她作為行為—雕塑領域關鍵聲音的地位。
  • Ryan Lee（紐約）展位聚焦已故藝術家 Emma Amos 鮮少曝光的繪畫作品，回訪她 1980 年代的 Athletes 系列——描繪田徑明星 Carl Lewis、Evelyn Ashford 及美式足球選手 Emmitt Smith 等運動員的宏大肖像。作品以大膽色域與動感具象為特徵，結合 Amos 高超的繪畫技巧與手工編織，並呼應她一生致力於種族與性別平權的理念。本次呈現於藝術界重新聚焦其遺緒之際推出，強化 Amos 作為美國現代主義與女性前衛藝術重要人物的地位。
  • Voloshyn Gallery（基輔、邁阿密）烏裔美國藝術家 Janet Sobel ——儘管於姿態抽象（gestural abstraction）中具開創性角色，卻長期被忽視——在本次展出中再度被推向前景。畫廊呈現她 1940 年代的戰時肖像，創作於她移民美國後，以令人難忘的神色刻畫女性與兒童，取材自她對烏克蘭的記憶與二戰離散經驗。展出凸顯 Sobel 在戰後抽象中的重要影響，並將她重新定位於其歷史軌跡中該有的位置。
  • Pavec（巴黎）首次亮相 ABMB 的 Pauline Pavec 呈現 Juliette Roche 1911–1940 年間的早期作品。Roche 是二十世紀初期前衛藝術中關鍵但被低估的創作者，曾是達達與金色分割（Section d’Or）圈的重要成員。她的繪畫與紙上作品清晰勾勒她在立體主義、抽象與女性主義論述方面的先驅性探索。
  • Paci contemporary（布雷西亞、波爾圖切爾沃）Leslie Krims: A Rake’s Revisionist Regress 集結美國觀念攝影師 Leslie Krims 的珍貴早期照片，他是 1970 年代「情境攝影（staged photography）」崛起的核心人物。Krims 以諷刺且常具挑釁性的構圖著稱，透過精心建置的影像批判政治正確與媒體操控。此次呈現將 Krims 置於一條藝術史脈絡之中——與 Cindy Sherman、Sandy Skoglund 等人並列——這條脈絡將攝影轉化為行為與社會評論的載體。

Paci contemporary Gallery｜Leslie Krims，《地方魔術師讓豐腴裸女懸浮的變奏 #2》（Variation of Local Magician Levitating Plump Nude #2），1970 ，紐約。© Leslie Krims。圖／Paci Contemporary Gallery（布雷西亞、波爾圖切爾沃）提供。

Parallel Oaxaca｜Nahum B. Zenil，《飛越紐約》（Vuelo sobre Nueva York / Flying over New York），1991 。© Nahum B. Zenil。圖／藝術家與 Parallel Oaxaca 提供。

Zero 10｜OpenSea 與 Art Basel 聯手首推出「數位時代藝術平台」登場邁阿密海灘

Zero 10 的命名向 1915 年在彼得格勒舉辦的 Kazimir Malevich 經典展覽 《0,10》 致敬—這場展覽為前衛藝術的重要起點。同樣地，Zero 10 在今日的藝術生態中，為數位藝術的展示、詮釋與收藏方式樹立新的標準。Zero 10 象徵 Art Basel 致力於支持最具變革性的當代形式，平台將串聯藝術家、工作室、畫廊與技術創新者，長期投入數位藝術創作與收藏。並與 Art Basel 的策展與市場架構緊密連結。首屆將集結 12 家國際參與單位，並計畫於 2026 年擴展至更多博覽會，包括 Art Basel Hong Kong 2026。
 

「Zero 10 反映了一項策略信念：數位藝術已不再是邊緣，而是藝術與市場即時演變的核心。巴塞爾藝術展致力於擴大這股力量，並以機構規模與全球視野支持其核心創作者及其正在形成的美學、概念與商業架構。Zero 10 將為新銳與既有藝術家、畫廊、收藏者、機構與創業者提供具體而持續的成果 — 讓創新實驗與市場發展真正接軌。」－巴塞爾藝術展執行長，諾亞·霍羅威茨（Noah Horowitz）

首屆展覽由專注於數位藝術收藏與參與模式的策展人 Eli Scheinman 主導策劃，參展單位包括：AOTM、Art Blocks、Asprey Studio、Beeple Studios、bitforms gallery、Fellowship、Heft、Visualize Value、Nguyen Wahed、Onkaos、Pace Gallery、SOLOS，並將展出來自 UBS 藝術典藏、與 UBS（Art Basel 全球首席合作夥伴）合作呈現的 Lu Yang（陸揚） 作品。

Asprey Studio｜Yatreda，《二十一世紀 Akodama》（Twenty-First Century Akodama），2025 ，數位藝術作品，並與 Asprey Studio 的銀雕塑成對呈現。© Yatreda。圖／藝術家與 Asprey Studio 提供。

Zero 10 延續 Art Basel 近年推動藝術、科技與市場基礎建設交會的多項計畫，包括數位藝術委員會（Digital Art Council）、數位對話（Digital Dialogues），以及在各地展會推出的數位藝術策展單元（digital art sections）－從2024年 ABMB 由 Bright Moments 呈現的 《DREAM-0》(Huemin），到 Art Basel Hong Kong 2025 的 「相遇」（Encounters）數位單元。此外，AI 驅動的 Art Basel 應用程式（App）與 Art Basel Shop 擴增的數位典藏（digital collections），也進一步鞏固了 Art Basel 在實體與數位平台支持藝術家與畫廊的承諾。
 

「Zero 10 同時是一項藝術進化與策展宣言。它反映了藝術創作的變動景觀——數位流程與新媒體正在重塑藝術家如何創作、觀眾如何觀看——並凸顯了巴塞爾藝術展以前瞻性引領方向的責任：洞察藝術實踐的未來，並為其蓬勃發展提供基礎架構與信任。Zero 10 展現巴塞爾藝術展對前行之藝術的承諾，而邁阿密海灘以其活躍的藝術場景與創新文化，正是這次首度亮相的理想舞台。」－巴塞爾藝術展藝術總監與全球展會總監，文森佐·德·貝利斯（Vincenzo de Bellis）

Zero 10 的推出正值數位藝術市場快速成長之際。根據 《Art Basel x UBS 2025 全球收藏調查》，在 3100 名受訪者中，有 51% 在 2024－2025 年間購買過數位藝術品，使其成為收藏支出第三大的分類。Zero 10 不僅回應這一趨勢，也進一步推動其發展，並與 Art Basel 拓展觀眾、擴大市場及支持前瞻性創作的長期策略一致。
Beeple Studios｜Beeple，《普通動物》（Regular Animals）。© Beeple。圖／Art Basel 提供。
Zero 10 策展人－伊萊・謝因曼（Eli Scheinman）表示：「Zero 10 匯聚了數位藝術生態系中的關鍵力量——這些藝術家、工作室與畫廊正重新定義藝術的創作、觀看與收藏方式。從生成與演算法系統，到機器人、雕塑、繪畫、光與聲音，本次呈現展現了這一領域的多樣性與概念深度。數位藝術已成為當代藝術不可或缺的一部分，如今正邁入更廣闊的市場。能在 Art Basel 架構中建構這個平台，並與這個快速成長的創意社群建立實質的連結，我感到無比興奮。」
Fellowship｜Ix Shells，《艾娃．博尼耶（#2）》（Eva Bonnier #2），2025 ，影片靜幀（Still from Video）。© Fellowship 2025。圖／藝術家提供。

  • Fellowship 將展出 Itzel Yard（IX Shells）的《No Me Olvides》，以演算法將歐洲、加勒比與拉丁美洲的檔案片段轉化成流動影像，探討記憶、性別與文化傳承。
  • bitforms gallery 以 Manfred Mohr、Casey Reas 到 Maya Man 的新作，梳理生成藝術的演進 —— 展示程式語言如何成為文化語彙。
  • Asprey Studio 與衣索比亞藝術家團體 Yatreda 合作，重構與再想像「Akodama」—— 來自阿姆哈拉高地、象徵貴族與武士身分的傳統男性冠飾。
  • Pace Gallery 呈現 James Turrell《Glass》系列的沉浸式光環境，讓觀眾在光與時間之中重新感知自身。
  • Beeple Studios 透過機器人與區塊鏈重新詮釋流行肖像，探討人與機器代理權的邊界。
  • Nguyen Wahed 將 XCOPY 的反烏托邦故障美學、Kim Asendorf 的演算法極簡主義與 Joe Pease 的催眠式循環影像匯聚於一體，描繪數位意識的結構。
  • 陸揚《DOKU – Heaven》（2022），由 UBS 藝術典藏借展，以動作擷取與 3D 動畫生成幻覺般的數位境界，讓觀者進入對意識、變形與虛擬時代靈性追尋的思索。

展覽資訊

2025 巴賽爾藝術展邁阿密海灘展會

展期｜貴賓日（只限獲邀請人士出席）
2025.12.03（三）11:00 – 19:00（優先預展）
2025.12.03（三）16:00 – 19:00（貴賓預展）
2025.12.04（四）11:00 – 19:00（優先預展及貴賓預展）
2025.12.04（四）16:00 – 19:00（開幕之夜貴賓）

展期｜公眾日（需持門票或貴賓卡入場）
2025.12.05（五）11:00 – 18:00
2025.12.06（六）11:00 – 18:00
2025.12.07（日）11:00 – 18:00

地點｜邁阿密海灘會議中心
（1901 Convention Center Drive Miami Beach, FL 33139)

REFERENCE

Art Basel